Musée d’Orsay, grand espace d’exposition (niveau 0, côté Seine), 1, rue de la Légion d’Honneur 75007, 01 40 49 48 14, 8€
Après la re-découverte de l’artiste majeur suisse Ferdinand Hodler, le musée d’Orsay consacre une première rétrospective à son contemporain allemand, Lovis Corinth (1858-1925). Elève à l’Académie Julian à Paris, Corinth s’affirme comme un peintre subversif, à la croisée de l’impressionnisme français et de l’expressionnisme allemand.
L’exposition présente près de 80 tableaux et une trentaine d’oeuvre sur papier (encore moins connus du public) couvrant les différents thèmes abordés par Lovis Corinth. Des autoportraits surtout – il se représente dans 42 peintures et plus de 140 oeuvres sur papier entre 1887 et 1925 -, beaucoup de nus – genre qu’il considère comme le « latin de la peinture »-, des paysages aux couleurs expressionnistes vibrantes, des sujets bibliques et mythologiques traités de manière burlesque (cf. Retour de bacchanale, 1898) et à la fin de sa vie des scènes de genre de la vie quotidienne (cf. Distribution des cadeaux de Noël, 1913).
Lovis Corinth naît en Prusse-Orientale (1858) et suit de longues études artistiques aux beaux-arts de Königsberg, de Munich et à l’Académie Julian à Paris. Au Salon de 1890, il obtient la mention honorable pour Pieta (1889, détruit en 1945). L’année suivante, Corinth s’installe à Munich, où il devient membre fondateur de la Sécession munichoise (1900). Mais le jury de cette dernière refuse son oeuvre Salomé II (1900), qui mêle érotisme et mort et illustre plus une scène de la vie qu’une page de l’histoire. L’artiste emménage alors à Berlin (1901) où il connaît un grand succès. Il y fonde une école de peintures pour femmes.
La Sécession berlinoise (fondée en 1898) permet dès lors à Corinth d’exposer ses oeuvres à intervalles réguliers auprès d’un public averti. L’artiste vit en effet sur les revenus de portraits [cf. Portrait de Madame Douglas (Irma Hübner), 1909, ou Portrait de Julius Meier-Graefe, 1917] que l’élite lui commande.
Parallèlement, Corinth s’affirme dans le genre biblique et mythologique en détournant des sujets religieux. Au lieu de sublimer la souffrance du Christ sur la croix, il dépeint l’horreur de sa peine. Avec Salomé II, l’artiste s’affiche comme un « peintre de la chair », exhibant le corps, le sang et la chair. D’où le rapprochement – à l’instar de son maître Rembrandt – entre une scène de boucherie (Le boeuf abattu à l’abattoir, 1905) et ses représentations de nu avec la chair débordande des femmes. Loin d’avoir un teint uniforme porcelaine, ses muses ont le corps marqué par le temps. De fait, Corinth choisit par principe – dans sa tentative de rapprocher l’art de la vie – des modèles parmi ses proches (sa famille et ses amis) et non parmi des mannequins professionnels à la beauté plastique.
Une touche violente prend une part grandissante dans le style de Corinth, qui se représente en Samson aveuglé (1912) après une attaque d’apoplexie dont il sort très affaibli. Ici se croisent le thème biblique et l’autobiographie, une pratique qui trouve son apogée dans l’Ecce homo (1925). Dans cet épisode biblique qui relate la comparution de Jésus devant Ponce Pilate, l’artiste se représente en Christ dont la tête est couronnée d’épines. Il entend montrer par là l’intensité avec laquelle il vit la Semaine Sainte: « […] Je suis devant un grand tableau. Ce sera ‘Ecce homo’. Je veux le terminer, Pâques m’a donné de l’énergie. Mon activité artistique est liée aux épisodes de la Bible et à ses fêtes », écrit l’artiste le 13 avril 1925. L’oeuvre transcrit l’aptitude du Christ – du peintre – à surmonter les souffrances, ce pourquoi Corinth conçoit « le legs de ce tableau comme un appel à l’hummanité », précise l’un des commissaires de l’exposition Dietulf Sander (conservateur au Museum der bildenden Künste, Leipzig).
Concernant les paysages, Corinth témoigne de son attachement à la nature et de sa lassitude de la vie urbaine. L’artiste produit de plus en plus de paysages et de natures mortes enfin de vie (cf. Le Lac de Walchen en hiver, 1923). Là encore le choix des couleurs vives, violentes, le rapprochent de l’expressionnisme allemand.
En référence à L. Corinth, Anselm Kiefer (né en 1945 à Donaueschingen) réalise une oeuvre inédite, un triptyque (pour la Trinité et la Passion) intitulé Pour Lovis Clovis, Autoportrait au squelette (2007). On retrouve le tournesol – plante fétiche de A. Kiefer – mort, qui pêche par vanité, avec des épines, un squelette que l’artiste a lui-même fabriqué, et des indications numériques rappelant la dénomination des étoiles. Le tout établit le lien fondamental entre la terre et le cosmos et évoque la thématique du changement, de la transformation, récurrente dans l’oeuvre des deux Allemands.
L’art de Lovis Corinth évolue du naturalisme académique à l’impressionnisme, rompu à la pratique du plein air, jusqu’à la violence de l’expressionnisme. Entre introspection et exubérance des formes et des couleurs, Corinth crée du lien entre tradition et modernité.
A découvrir, donc, en dépit de la mise en scène de l’exposition qui manque de détails. La redondance du contenu des explications données à l’entrée de chaque salle – il aurait été plus enrichissant d’apprendre des éléments différents – ne facilite pas la lecture de son oeuvre complexe. Le recours au catalogue de l’exposition ne me paraît pas du luxe!
